昭和の加賀友禅（７）　浅野富治男・春秋花に鳥模様　色留袖

2019.06 02

うちの店の入り口には、小さなショーケースが設えてある。普段ここは、丈の短い撞木（品物を掛けて見せる道具）を一本置き、反物や帯を掛けている。店はアーケード街の中にあるのだが、入り口に近いために、夕方になると西日が射し込んで来て、光はケースを直撃する。だから注意していないと、ガラス越しの陽射しで、品物の色がヤケを起こしてしまう。以前、飾っておいた紫の帯地が変色してしまい、売り物にならなくなったことがある。

そして、陽射しだけでなく、店内の照明でもヤケは起きる。同じ品物を長い間飾り続けていると、模様を見せるために表に出して飾ったところと、中に巻き込んであるところでは、色の齟齬をきたす怖れがある。これを防ぐためには、一週間に一度は品物を掛け替え、時には照明の光度を抑える工夫をする。実際に正面ウインドのLED蛍光灯は、半分しか取り付けていない。

自分で丁寧に見極めて仕入れをした大切な品物を、飾っただけで「お釈迦」にしてしまえば、一体何のために仕事をしているのか、わからなくなってしまう。「色がいのち」であるキモノや帯。その扱いには、日頃から十分な注意を払わなければならない。

キモノや帯の糸に使う染料には、それぞれ違いがある。それは、性質や堅牢度が異なるため、紫外線等の外的要因を受けた時の耐久性にも、違いが出てくる。例えば、一口に化学染料といっても、酸性染料、反応性染料、建て染め染料などがあり、その質は様々。そして、植物染料にも直接染料と、媒染剤を用いて発色させた染料があり、これもまた多様である。

異なる環境下で育った植物を原料にしている染料は、やはり繊細と思われ、天然材質を使う品物の扱いには特に注意を払っているが、だからと言って、化学染料ならば安心ということは無い。実際に、照明下で不具合を起こしたものもあり、その性質により、変化が生じかねない。結局は、一点一点に、目を配るより対処の方法が無い。

品物には、地染めや模様染めに、どのような染料を使っているかの記載が無い。せめて堅牢度でも記してあれば、判断の材料になるのだが、それも無い。そして、堅牢度が高ければそれで良いとも、一概には言い難い面もある。例えば、色無地に堅牢度の高い染料を使うと、紋入れの際に地色が抜け難くなることがある。つまり色が残ってしまうということだ。

店側としては、お客様には品物を、出来る限り長く着用して頂きたい。そのためには、外的要因で品物が劣化することを防ぐ手立てを、作り手には求めたい。これを考えると、どのような染料を使うかということは、極めて重要である。

バイク呉服屋は、手直しのために様々な品物を預る。その状態もまちまちで、中には色ヤケを起したものもある。しかし不具合の原因が、使っている染料に問題があったと決め付けることは出来ず、保管場所の環境等の影響も、無視できない。要するに、本当の所は判らないのだ。

けれども、「ノスタルジア」の稿でご紹介している上質な品物の状態は、良いものが多い。無論、質を弁えたお客様が大切にされていることもあろうが、それは作り手が、使っている染料の質を精査しているとも思える。

以前、友禅作家の四ツ井健さんから、自分の品物に使う染料の堅牢度には、特に留意を払っていると伺った。彼は、もともと加賀友禅の作家で、落款登録もある。師匠は藤村建雄氏だが、おそらく修行時代に、作品の上ではどのような染料を使うべきかを、学んだのではないだろうか。

今日は、時代を超えても色褪せることのない、そんな加賀友禅の品物がまた里帰りしてきたので、これを御紹介することにしよう。

（藤袴色　春秋花に鳥模様　色留袖・浅野富治男　１９８０年頃　甲府市　O様所有）

友禅の作家にとって、最も嬉しいことは何か。それはおそらく、自分が手掛けた作品の着用姿を見た時ではないか。下絵、配色、色挿しを考案し、一枚のキモノを作品として仕上げる。それぞれの工程では、思考を繰り返しつつも、自分の感性に従って意匠を描いていく。作家にしてみれば、それぞれの作品は自分の分身とも言えよう。

加賀友禅の図案は写実性が高く、「絵画的」と言われる。絵画ならば、鑑賞するためには、飾ってある場所へ行かねばならないが、キモノならば、着姿を見た人は誰でも、自ずとその美しさを堪能することが出来る。これはまさしく、動く絵画である。しかも着用場所により、その姿の麗しさや優美さは高まっていく。

図案は、四季折々に姿を変える自然の中から生まれる。花鳥風月をモチーフとし、これを写し取るところから始まる。咲き誇る花、舞い飛ぶ鳥、草木の繁り、そしてその時々の空の色、雲の形。スケッチは、図案の基礎となり、そこにそれぞれの作家の感性が吹き込まれ、意匠となる。

日本という国の風土を、衣装の上で具現する。こんな繊細な絵心を持った民族衣装は、他には見当たらない。前置きが長くなったが、今日の品物をご覧頂くことにしよう。

裾だけに模様のある黒・色留袖は、この品物のように、上前おくみから前身頃そして後へと、流れるように図案を置くことが多い。加賀友禅では、描き方や構図に違いはあれど、四季を彩る様々な花模様や、そこに集う鳥達の姿をあしらう意匠は、最もポピュラーなもの。その意味からすれば、この作品は、いかにも加賀らしいオーソドックスな模様と言えよう。

地色に使っている藤袴色は、秋の七草の一つ「藤袴（ふじばかま）」の花の色で、少し赤みのある薄い紫色。柔らかく優しい地色使いが、加賀友禅特有の上品さを、より際立たせる役割を果たしている。

主模様となる上前のおくみ・身頃には、大ぶりな菊を中心に、梅枝と芙蓉を描き、裾近くには沢潟（おもだか）も見える。そして、菊を挟んで一対の鳥の姿がある。この図案からは、具体的に鳥の種類はわからない。

着姿から最も目立つ菊には、橙や茜など華やかな色を配して、模様を印象付けている。上に伸びる小枝に付いた紅白梅花が、菊花を引き立て、図案に広がりを持たせている。

菊花の図案は二種類。主模様として置いた菊は、花弁に丸みを付けた暖色。脇から後へ廻る菊は少し図案化させ、色は寒色。同じ花でも、意識して対照的に描くことで、アクセントが付き、模様の均衡が保たれる。

菊花にあしらわれた「暈し」と「虫喰い」。花弁一枚ずつに、暈し方を変えながら、丁寧に色を挿す。そして葉には、暈しとともに付いた黒い点・加賀特有の虫喰いが見える。葉の色が変化し、次第に朽ちていく姿を「写生的」に表現した技法で、ここに、絵画的とされる加賀友禅の姿が、最も良く表れている。

沢潟の花と葉。花弁が鋭角でヤジリのようになっているので、沢潟に見えたのだが、よく見ると花弁は５枚。沢潟は３枚なので、これは水仙かもしれないが、それにしては葉の形状が違う。写実的に描いていても、何をモチーフとしているのか、特定出来ないことも多い。

これは芙蓉（ふよう）の花だろうか。この花は夏から秋にかけて、白や薄ピンクの大ぶりの花を付ける。暈しの柔らかな濃淡が、そのまま花の表情となる。

梅枝に止まる一対の鳥。梅に集う春鳥ならば、ホトトギスやメジロ、ツグミなどが思い浮かぶが、この鮮やかな挿し色では、何の鳥なのか判らない。配色は、対照的な二羽。

後身頃の意匠。花のモチーフや配色は、模様中心の上前とほぼ同じ。着姿として、全体のバランスを考えれば、前身頃と後身頃の意匠を統一させておく方が良いのだろう。

この品物の作者・浅野富治男は、名前の一字「富」を落款に使っている。

浅野富治男氏は、１９４９（昭和２４）年、金沢から４０ｋほど北、能登半島の付け根に位置する羽咋市に生まれた。１８歳で、百貫俊夫（華峰）氏の工房に入ると同時に、日展作家である日本画家・中町進氏から指導を受けている。

中町進は、１９３０（昭和５）年に能登・輪島市で生まれた。１９５４（昭和２９）年、２５歳の若さで日展に初入選する。初期は、街の風景を荒いタッチで黒く描いたような作品が多かったが、次第に、静謐な森の姿を青を基調として描く「叙情的な作風」に変わる。浅野氏が師事したのも、丁度この頃であった。

百貫華峰は、人間国宝・木村雨山の直弟子６人の一人・毎田仁郎の弟子なので、浅野富治男は、雨山の曾孫弟子に当たる。百貫華峰からは、友禅の技術を学び、中町進からは、詩的な色彩表現を学ぶ。優れた二人の作家から得たものを基礎とし、そこに自分らしいエッセンスを加える。この色留袖の地色や配色の優しさは、いかにも加賀らしく、そして詩情豊かな作品に仕上がっており、浅野富治男という作家の個性が垣間見える。

なお、浅野富治男氏の落款登録は早く、加賀染振興会が発行した最初の名簿（１９７８・昭和５３年）には、すでにその名前が見える。また、この６年前の昭和４７年には、早くも工房を開いて独立しており、後に７人の弟子（杉浦伸・濱田泰史・北出朝之・北市秀樹・辻宏美・林郁子・早川美智子）を育てている。

この品物は、今から４０年ほど前に作られたもので、おそらく作者・浅野富治男氏はまだ、二十代だったと思われる。里帰りしてきた品物は、お客様の話や、店に残る仕立伝票（昭和４６年～）から、いつ頃求めて頂いたのかが判る。それは、作者の製作年齢を知ることにも繋がり、作品としてより興味深くなる。

今、代を受け継いだ私が、優れた作家が描いた作品に直接触れ、手直し出来ることは、父や祖父が品物の質を重視して商いをしてきた証。それは、何より幸せなことである。私に出来ることは、せめてこのブログの中で、画像だけでも多くの方々に見て頂けるようにすること。これからも、折を見て、先人の素晴らしい品々を御紹介していきたい。最後に、ご紹介した加賀友禅の色留袖を、もう一度ご覧頂こう。